画材を変えれば、塗る順番などの手順のほか、筆から伝わる感触も異なってきます。それぞれの画材の特徴をしっかり抑えることで、制作の際、表現の幅を広げることができます。
何より、新しい画材に触れておっかなびっくりに描き始め、どんどん意のままに描けるようになるプロセスは、少しの戸惑いはあるものの新鮮な感動を味わえますよ。

パステルは色の元である顔料を、最低限の接着剤で固めたもの。画材として扱いやすいだけでなく、顔料の色を濁らせず使えることから透明感のある鮮やかな色味や繊細な色合いの表現にも強い画材です。それだけに色数が多く、揃えるためにはコストもかかります。

柔らかめのソフトパステル、シャープな表現に向くハードパステルが古くから使われており、化粧品のファンデーションを塗るとき使うようなスポンジでとって描くタイプのものもあります。

印象派の巨匠ドガの描いたバレリーナ。
モノタイプと呼ばれる版画と絵画の中間のような技術を使って刷りあげた上にパステルで色付けした作品。柔らかな風合いと絶妙な色味に魅せられます。

こちらは写真を転写した画面に水彩絵の具とパステルで彩色を施した作品。柔らかな風合いを得意とする水彩絵の具とパステルは相性の良い組み合わせです。

パステルやクレヨンで描いた作品は、パステル用のフィキサチーフ（定着液）を仕上げにかけることでパステルがピシッとその場に固定されます。その際スプレーが画面と近すぎたりすると水彩絵の具が流れてしまうことも…。フィキサチーフを吹き付ける際は離れたところから数度に分けてふわっと吹き付けるようにしましょう。

日本画には油絵やアクリル絵の具と比較するとずっと手間がかかる、扱いの難しい画材を使用します。

日本画の絵の具は色の元である顔料に、岩絵具という名前の通り、鉱石などを混ぜた絵の具を使います。瑠璃など宝石と同じ材料も使われているため、もともと高価なものでした。岩絵の具を溶かすのは膠(にかわ)という天然材料で、これと混ぜてペースト状にして描きます。

画面上に見える絵の具の粒、透明感、色の深みや鮮やかさなど、日本画独特の風合いは印刷や版画にはない、実物を鑑賞する楽しさに満ちています。

制作に入る前の段階で、絵の具の準備に手がかかる日本画ですが、ある程度手間をカットする便利なアイテムもあります。

本来は膠を砕いてからぬるま湯で溶かして絵の具を接着する膠水を作りますが、「日本画用膠液」という商品が売られています。これを使うと簡単に始めることができます。

絵の具についても、本来は「天然岩絵具」と呼ばれる鉱石など岩を乳鉢で砕き、すりつぶして使いますが、「新岩絵具」などと呼ばれるすでにすりつぶされた人工の日本画用絵の具も販売されています。値段が天然よりも安価なので初めてならこちらで。

カルチャースクールや画材屋さんなどの一日体験ワークショップで初心者向けの画題からはじめてみるのもおすすめです。

インクは液体なので細かな書き込みのしやすさに優れていますが、水と合わせて使う際の予期し難い滲み、乾くと水に溶けなくなる性質から慣れるまでは扱いが大変な側面も。

細密な描写が好きな方にオススメの画材です。

流性のたかくしっかりとした濃さを持つインクは細く繊細な線を描くのにぴったり。
硬質な線も、鼓動を感じるような揺らぎのある線も書き分けられるので描き手の意図を繊細に反映してくれる画材です。

Gペン、スプーンペン、カリグラフィー用などペン先を選んで使い分けるのも楽しいですよ。

こちらの作品ではグレーのマーカーで面を塗り、モノトーンでまとめることでより立体感の感じられる作品に仕上げています。さっと使えるマーカーは細かく色面を分けるようなイラストでも慣れると短時間で仕上げられます。

水彩絵の具の弱点は、一度描いて乾いてしまうと描き直しが難しいこと。白い不透明絵具で消すこともできますが、その上に色を載せると周囲と違う質感になってしまいます。メラミンスポンジなどで絵肌を削って消す方法もありますが、完璧に消えるものではありません。
そこであらかじめ白く抜いておきたいところをマスクするアイテムとして、マスキング液というアイテムがあります。

紙の色と画材の色の調和を目指したデッサンとして18世紀ロココ時代のフランスで流行った技法が「トロワクレヨン（３つのクレヨン）」です。ベージュやグレーなど白以外の紙に、白・黒・茶褐色のチョークを使うことが多かったようです。二色で行う場合はドゥークレヨン（２つのクレヨン）と呼ばれているそう。

通常白い紙に描く場合は影（色の濃い部分）を書き重ねて表現しますが、白を用いることで明るい部分を描く描写に意識が向けられます。現在でもデッサンの一貫として美術系の授業で取り組まれることが多い技法です。写真ではピンクの紙に描いていますが、グレーやベージュの紙での制作が多いかと思います。
特に光の描写が必須になる油絵やアクリルガッシュなど不透明技法の練習にもぴったりのデッサン画なのです。

アクリル絵の具は紙や木に限らず様々な物体に塗ることができます。ガラスの上に繊細な線を施したり、金属や石、陶器などに着色もOK、紙をコラージュしたり、ラメや砂つぶのような装飾を加えることも可能です。
写真はモザイクのようにタイルを配し、クラッキングメディウムでひび割れを施した作品。

※絵の具の濃さや塗るものの表面によって塗りにくいものもあります。また、状況によってひび割れたり色味が変化する可能性もあるので、テストをしてから塗るのが望ましいです。
定着力を強めるメディウムなどもあるので、メーカーのインフォメーションもチェックすると良いでしょう。

紙や写真などを一つの画面に組み合わせて配置した作品をコラージュと言います。ピカソやブラックが始めた技法「パピエ・コレ」から発展したものと言われており、自分自身で描いた造形以外のものを貼り付けるなど、斬新なものでした。
その後立体的にコラージュするアッサンブラージュに発展します。

現代でもコラージュ技法は様々な場面で広く使用されています。スクラップブッキングなど写真を用いたプライベートなアルバム作りにもオススメです。

こちらはパーツや写真、メディウムなどを使って1枚のオリジナル作品に仕上げるキット。こうしたコラージュの際にもアクリル絵の具とメディウムは相性が良くおすすめ。色を塗ったり文字を描き入れたりするのにはアクリル絵の具がぴったり。画面にテクスチャーという凹凸をつけるのにはメディウムを使います。凸凹をつけた後に茶系の絵の具でかすれを加えてエイジング加工したり、レンガ調の背景をリアルに表現したりと作品としての仕上がりがグレードアップします。モデリングペーストやメディウムを使えばビーズなどちょっとした立体物を埋め込むこともできます。

水彩絵の具と油絵の具では違いがはっきりと区別できます。それはそれぞれの質感の違いによるものです。
絵の具という素材自体の研究が進み新しい絵の具が数多く生み出されはじめる、ただ色をぬり分ける道具としてではなく、絵の具自体の質感も作品の一部として活かす画風が広がりました。

日本画の粉が舞うようなきらめきのある絵肌、水彩絵の具ならではの紙の地と一体化した透明感のある見た目、アクリル絵の具の持つ液体の飛沫がそのまま固まったような艶やかな表面など...
それぞれの画材の特徴を捉えて選ぶことで表現に深みが出ます。

こちらはアクリル絵の具ならでは質感を生かした作品。そのまま時を止めたような表現。昔の人に見たらさぞ驚くことでしょう。こちらはポーリングメディウムと赤色のアクリル絵の具を混ぜて使っているようですね。ポーリングメディウムは水飴のように伸びて、他の色と混ざりにくくなる変り種メディウム。

絵の具やメディウムの中には混ぜることで変色したり、ひび割れたり、化学反応を起こして予期せぬ結果をもたらす組み合わせもあります。今までに聞いたことのないような組み合わせを試す際は、よく調べてから試すようにしましょう。

クレヨンから始めた人も、水彩絵の具、油絵、コピックから始めた人も、それぞれの最初の画材の思い出があるかと思います。
新しい画材にチャレンジして、より深く制作の時間を楽しんでみませんか？